Munch représente la mélancolie d'un homme devant un paysage de mer désert. Gauguin nous laisse cette peinture d'une femme bien mélancolique … Marcel Duchamp peint Jeune homme triste dans un train. Chiharu Shita, dans After the Dream, montre des robes qui apparaissent derrière une toile de fils. Juliette Lemontey représente la mélancolie sans visage … tout est gris … Théo Mercier réalise ce monstre en spaghetti appelé Le solitaire. Il manque la bolognese pour donner des couleurs joyeuses à ce monstre bien seul! La peur: La peur de Saint-Pierre sur la croix (Caravage) L'effroi face à la guerre (Rubens) – Guerre La terreur d'Isaac (Caravage) – Assassinat La douleur et la stupéfaction de la Méduse (Caravage) L'angoisse de la mort (Michel Ange) – Jugement dernier L'effroi (? ) du Tres de Mayo (Goya). La peinture est de très grand format comme pour nous faire assister à cette scène d'exécution. Pape hurlant (Bacon) Il y a aussi les peintures sensées provoquer l'effroi chez le spectateur comme les peintures de Bosch La douleur: Christ douloureux et mourant (Messine) Vierges de douleurs face au Christ mort (van der Weyden) Le Retable d'Issenheim de Grünenwald Expressions de douleur (Le Brun) La douleur et le désespoir de Laocoon Mère de douleur (Picasso) Gustave Klimt, Douleur distordante Oswaldo Guayasamin Pablo Picasso, Guernica Le cri, Munch Les bustes grimaçants de douleur de Franz Xaver Messerschmidt Adel Abdessemed représente le Christ de douleurs tout en ferrailles.
Coups différents Si vous pensez que je suis inutilement négatif, prenons un autre exemple: la nature morte lumineuse de Paul Cézanne, Pommes, bouteille et le dos d'une chaise (1902-1906), une aquarelle tardive du pionnier post-impressionniste, dont les traits lucides semblent emphase pour affirmer le potentiel de joie de la vie. Dans son célèbre ouvrage sur l'art moderne, The Shock of the New, l'historien et critique Robert Hughes insiste sur le fait que l'aquarelle de Cézanne fait partie «de la partie la plus joyeuse de la vie de [Cézanne]». Hughes observa avec passion: «On peut presque voir les touches rapides de rouge transparent, de jaune et de bleu qui sèchent sur le carnet de croquis sous une chaleur provençale, fixée par le soleil pour ils pourraient être rapidement manipulés… Aquarelle a laissé Cézanne enregistrer des aspects du paysage que le médium plus pesant [des huiles] ne pourrait pas résoudre aussi rapidement », à savoir, selon Hughes, « le brouillard et l'irisation de la lumière »d'où jaillit une telle joie.
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l'avant-plan central du tableau et la portée en arrière de la danseuse jusqu'à sa gauche (et notre gauche), qui semble ignorer le désastre sur le point de se dérouler derrière elle. Une fois repérée, la faille dans la chaîne est impossible à ignorer, car l'électricité extatique qui semblait quelques instants auparavant sembler vaciller sans fin grâce au travail de Matisse commence à court-circuiter. La figure au premier plan ne nous apparaît plus comme une commande gracieuse de son corps en rotation. Elle se précipite désespérément pour retrouver la connexion tandis que son genou gauche commence à se plier, se préparant à ce qui s'annonce comme une chute meurtrière. Plutôt que d'être enfermés dans une orbite de grâce et de gaieté sans fin, les danseurs que nous réalisons sont à jamais figés au bord d'un effondrement périlleux. C'est peut-être une métaphore du destin inévitable (et, finalement, fortuné) de chaque grande œuvre d'art qui cherche à saisir l'invisible: un moment de joie sans mélange.
Le travail de Matisse est plus grand car il nous montre la vie telle qu'elle est: à deux pas du désastre. Une grande œuvre d'art nous aide à nous préparer à ramasser les pièces lorsque les choses se détériorent. Il ne supprime pas d'existence toute trace de douleur et de souffrance. Un tel travail, même s'il était possible, ne serait pas beau parce que ce ne serait pas vrai.